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23 asombrosos debuts de directores en el cine

comenzar con el pie derecho las 25 mejores operas primas 1
Summit Entertainment

La expresión Opera Prima es un término en latín que significa «primera obra», se usa para referirse a la primera realización profesional de un artista. Dicha expresión es bastante antigua y estaba en desuso hasta que fue revivida en los 70 (según cuenta la leyenda) por el artista y cineasta Andy Warhol, para referirse a la primera película, o el debut cinematográfico de un director.

El peso de la opera prima no suele ser determinante para definir el talento de un director, ya que muchos directores se iniciaron realizando cortometrajes, videoclips o dirigiendo capítulos de series televisivas. Pero hay casos muy puntuales de gente con enorme talento y creatividad que realizan una primera película que los vuelve famosos. 

Enlistaremos a continuación las 23 mejores operas primas, las cuales estarán organizadas por fecha de estreno, ya que sería por demás injusto compararlas al tratarse de obras de géneros muy diversos y con diferentes niveles de producción.

1. The Kid (1921) - Charlie Chaplin

Una mujer se ve en la obligación de abandonar a su bebé recién nacido en un auto lujoso. Dicho auto es robado y llevado hasta un barrio marginal donde el bebé es encontrado y adoptado por un vagabundo (Charles Chaplin), quien lo cría como propio, llevando ambos una vida feliz y tranquila a pesar de su pobreza. Años más tarde el niño es reconocido por su madre, quien se ha convertido en una actriz famosa y tratara de recuperar a su hijo.

La película tiene muchos momentos basados en la infancia de Chaplin, cuando fue separado de su madre enferma y llevado a un orfanato; además de ser un tributo a la memoria Norman, el hijo de Chaplin que falleció tres días después de su nacimiento prematuro.

2. Citizen Kane (1941) - Orson Welles

La historia inicia con la muerte de Charles Foster Kane (Orson Welles), un potentado magnate de la prensa que, gracias a su fortuna, humilde origen y conflictiva personalidad, se vuelve una de las figuras más carismáticas del mundo. Sus últimas palabras en vida, «Rosebud», inician una investigación para determinar el misterio detrás de las mismas, analizando en retrospectiva la vida de Kane, sus triunfos y derrotas.

Welles había logrado gran fama gracias a su programa de radio que adaptaba la novela La Guerra de los Mundos de H. G. Wells, por ello la RKO lo contrato para dirigir dos películas. Muchos historiadores concuerdan que la idea original del guion de Welles está inspirada en el periodista millonario William Randolph Hearst.

3. Eraserhead (1977) - David Lynch

Henry Spencer (Jack Nance) es invitado a cenar a la casa de su novia Mary X (Charlotte Stewart). Al llegar al lugar descubre que Mary tiene un hijo, lo que fuerza a Henry a casarse con ella. La crianza del niño, que nació deformado y con un aspecto grotesco, se vuelve intolerable. Con numerosas escenas de violencia onírica y simbolismos extremos, la película retrata –entre otras cosas– a la paranoia y la locura.

Inspirado por la obra surrealista de Franz Kafka y Nikolai Gogol, Lynch realizo esta película durante su época como estudiante de cine, ayudado por muchos de sus familiares y amigos que le brindaron su apoyo moral y económico. Se cree que el guion puede ser una alegoría del propio miedo de Lynch a la paternidad, ya que su hija Jennifer nació con pies zopos, un defecto congénito que requirió de corrección quirúrgica.

4. The Evil Dead (1981) - Sam Raimi

Cinco universitarios se alojan en una cabaña en el bosque donde descubren al Necronomicon, un viejo libro de hechizos con el que accidentalmente despiertan a una entidad malévola que posee a las personas convirtiéndolas en monstruos. Ash (Bruce Campbell) uno de los cinco universitarios, inicia una batalla por sobrevivir mientras todos en su entorno van cayendo víctimas de la posesión infernal.

De bajo presupuesto y con varias técnicas experimentales para solventar la inexperiencia del equipo de realizadores, Sam Raimi buscaba crear un “terror superior”, usando clichés clásicos del género y llevándolos más allá (casi al grado de lo grotesco), para impactar y sorprender a la audiencia. Fue la primera de una fructífera franquicia de culto.

5. Dancing With Wolves (1990) - Kevin Costner

El teniente condecorado John J. Dunbar (Kevin Costner) pide ser transferido a la frontera y es asignado a un fuerte abandonado. Dado que el guía de Dunbar es asesinado y su oficial a cargo se suicida, no hay registros de su presencia en el fuerte. Comienza entonces su trato con una tribu Sioux, quienes terminan aceptándolo como parte de la misma, lo que lleva a Dunbar a desertar a su puesto y renegar de su país en guerra.

Ganadora de siete premios Oscar, esta adaptación de la novela homónima de Michael Blake fue seguida desde su concepción como guion por el propio Costner desde 1980, pasando por varias productoras que no veían potencial en el proyecto. Costner finalmente consiguió comprar él mismo los derechos de la obra e inicio la producción del film, cuyo rodaje solo duró cuatro meses.

6. Boyz n the Hood (1991) - John Singleton

Sigue las vivencias de Tre Styles (Cuba Gooding, Jr.) mientras crece en Crenshaw, un barrio al sur de Los Angeles, donde las pandillas y la violencia callejera son cosas de todos los días. Tre ve como esa misma violencia atrapa a su amigo Doughboy (Ice Cube), quien se vuelve un criminal uniéndose a la pandilla los Crips, y se cobra la vida de Ricky (Morris Chestnut), hermano de Doughboy y un muchacho de futuro prometedor.

Por su trabajo, Singleton fue nominado a mejor director, al igual que su guion original para esta película. Teniendo 22 años al momento del estreno de la película, Singleton fue el director más joven de la historia en recibir dichas nominaciones. Y es la película debut de los actores Ice Cube y Morris Chestnut.

7. Delicatessen (1991) - Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet

En una época poco clara, en una Francia posapocalíptica, hay un edificio de departamentos cuyo propietario, Clapet el carnicero (Jean-Claude Dreyfus), regentea a su antojo, al igual que un tirano. Al edificio llega Louison (Dominique Pinon), un artista circense en busca de trabajo y un poco de suerte. Allí conoce a Julie (Marie-Laure Dougnac), la hija de Clapet, de quien se enamora.

La película es considerada un homenaje al estilo visual y narrativo del director Terry Gilliam, en obras como Time Bandits (1981) o Brazil (1985); aunque existe la teoría de que podría tratarse de una interpretación surrealista de la película The Delicate Delinquent (1957) protagonizada por Jerry Lewis.

Fue ampliamente elogiada y reconocida por diversas entidades y concursos de todo el mundo. 

8. El mariachi (1992) - Robert Rodriguez

Un joven músico (Carlos Gallardo) llega a un pueblo a buscar trabajo como Mariachi, su arribo coincide con la de Azul (Reinol Martinez), un criminal que busca vengarse de Moco (Peter Marquardt) un narcotraficante, para lo que lleva sus armas ocultas en un estuche de guitarra. El músico es confundido con Azul, por lo que se vuelve un blanco, viéndose obligado a defenderse, lo que se granjea el rencor de Moco.

Una película de bajo presupuesto, usando actores en su gran mayoría sin experiencia previa, o bien empleando a personas que se prestaban a un cameo, como es el caso de oficiales de policía o guardias. Dado a que Robert Rodriguez no contaba con equipo de captura de audio al momento del rodaje, el film tuvo que ser completamente doblado.

9. Reservoir Dogs (1992) - Quentin Tarantino

Un grupo de seis criminales son asociados por otros dos para trabajar juntos en un robo de diamantes, trabajo que realizan usando alias para proteger sus respectivas identidades. Mediante la construcción aleatoria del relato, se exponen flashbacks que revelan que uno de los criminales: Mr. Orange (Tim Roth) es en realidad un policía encubierto, que está detrás de los líderes de la banda.

El guion original fue escrito por Tarantino, quien en ese momento estaba estudiando actuación a la par de que trabajaba en una tienda de alquiler de videos. Tarantino buscaba exponer de manera grotesca como cualquier tema, incluso el más mundano, tiene un carácter intrínsecamente violento y agresivo.

10. Clerks (1994) - Kevin Smith

Dante (Brian O'Halloran) es un dependiente en una tienda que lleva una vida rutinaria que lo hace sentir frustrado referente a sus propios logros personales y a su relación con su novia. Es acompañado por Randal (Jeff Anderson), un empleado de una tienda de videos vecina, igual de cínico que Dante pero mucho más irónico. Las horas de aburrimiento en sus respectivos trabajos los instan a perder el tiempo y a filosofar sobre la vida.

Esta película es la primera en presentar el View Askewniverse, un universo ficticio de Kevin Smith que está ambientado en New Jersey a mediados de los 90. La película también busca rendir tributo a La Divina Comedia de Dante Alighieri, al estar separada en nueve puntos argumentales en referencia a los nueve círculos del infierno. 

11. Shallow Grave (1994) - Danny Boyle

David Stephens (Christopher Eccleston), Juliet Miller (Kerry Fox) y Alex Law (Ewan McGregor) son tres jóvenes profesionales que comparten un departamento. El misterioso Hugo (Keith Allen) llega a ocupar un cuarto vacío pero muere y deja un maletín repleto de dinero. Los tres deciden mantener en secreto para conservar el dinero, pero la paranoia y la desconfianza creciente entre ellos terminan por convertirse en rivalidad y traición.

La película tuvo un enorme éxito en Inglaterra, siendo el film independiente más exitoso de su año de estreno y es considerada por la crítica, junto con Trainspotting (1996), las dos películas pilares del nuevo “Renacimiento” del cine británico. Hoy, es considerada una película de culto entre los aficionados a Boyle.

12. Tesis (1996) - Alejandro Amenábar

Desarrollando una tesis sobre violencia, la estudiante universitaria Ángela (Ana Torrent) entra en contacto con una película snuff. Uno de sus compañeros que también ve la película reconoce a la víctima del video como una estudiante de su universidad. La tensión aumenta cuando varios de los conocidos de Ángela parecen estar complotados de alguna manera y detrás de la película snuff.

El guion original fue escrito por Amenabar junto a Mateo Gil cuando el director aún estaba estudiando cinematografía en la Universidad Complutense de Madrid. En la historia se exponen hechos históricos reales que afectaron a España, como ser el inicio de la democracia tras la caída de Franco, la igualdad de géneros, la violencia en los medios, etcétera.

13. Cube (1997) - Vincenzo Natali

Cinco personas despiertan en una habitación con la forma de un cubo. Ninguno sabe cómo llegaron allí, ni tampoco cómo salir, pero al pasar a las habitaciones vecinas, descubren que los cubos no solo se mueven continuamente, sino que cada uno tiene un sistema de trampas mortales que asesinan a quienes ingresen. El grupo deberá trabajar en equipo para tratar de huir de esta pesadilla claustrofóbica.

Natali se basó en un episodio de The Twilight Zone para narrar la dinámica de los personajes, pero tuvo que realizar un cortometraje ambientado en un elevador para ilustrarle a los inversores y productores el funcionamiento esquemático y la apariencia inicial básica del Cubo donde se desarrolla la película.

14. American History X (1998) - Tony Kaye

Danny (Edward Furlong) es un estudiante de secundaria con tendencias racistas que decide escribir un ensayo sobre su hermano Derek (Edward Norton), el cofundador de una pandilla neonazi que fue condenado a tres años de prisión por asesinato. Al regreso a casa de Derek, este ve con tristeza como su hermano menor está siguiendo sus pasos, así que le narra su historia dentro de la prisión, lo que lo ayudo a sobrellevar su odio y superarse a sí mismo.

Narrada de manera paralela y en montaje no lineal, mostrando los eventos actuales en color y presentando el pasado en flashbacks en blanco y negro cuando la dinámica del argumento lo requería. Esta película le valió a Norton una nominación como mejor actor, y está considerada una de las mejores películas de todos los tiempos por la revista Empire.

15. Lock, Stock and Two Smoking Barrels (1998) - Guy Ritchie

Cuatro criminales de poca monta adquieren una deuda con un Harry (P.H. Moriarty) poderoso señor del crimen en un juego de póker. Para pagar el dinero, los cuatro deciden asaltar a una pandilla de traficantes menores que casualmente son sus vecinos, para llevar a cabo el asalto, usan dos escopetas antiguas que compraron a unos ladronzuelos. Tras una serie de confusiones y equívocos, los cuatro criminales se vuelven blanco de gran parte de los ladrones y mafiosos de Londres.

La película no solo fue un éxito que le dio a Guy Ritchie un reconocimiento internacional, sino que además es el primer trabajo actoral de Vinnie Jones y Jason Statham, quienes se unirían nuevamente con Ritchie en proyectos posteriores.

16. π (1998) - Darren Aronofsky

Max Cohen (Sean Gullette) es un matemático y numerólogo paranoico que tiene la teoría de que todo en la naturaleza tiene un ritmo constante que puede calcularse mediante números. Max da con una serie numérica que le permite predecir el accionar del mercado de valores, por lo que se vuelve blanco de un grupo de agentes que quieren el secreto del número para ellos ya que, en teoría, les permitiría comprender el universo mismo.

Aronofsky no solo estuvo a cargo de la realización, sino también del guion del film. Se tocan temas ligados no solo a la matemática, sino también a la Cabalá y sus teorías numerológicas; el juego estratégico japonés Go, que está compuesto por patrones calculables; y el Corán, el libro sagrado del Islam. 

17. American Beauty (1999) - Sam Mendes

Lester (Kevin Spacey) es un ejecutivo que transita la crisis de la mediana edad y descubre que no es feliz con su vida ni con su matrimonio con Carolyn (Annette Bening) al sentirse sexualmente atraído por una amiga de su hija adolescente. De esta manera la conducta de Lester cambia, se atreve a dejar su empleo y trata de disfrutar más su vida. Esto desencadena una serie de cambios que afectan a todos de manera determinante.

La película analiza el concepto de la belleza desde múltiples enfoques, siendo el caso más notorio cuando se la asocia con la sensación de bienestar o triunfo. De esta manera se devela que el concepto de «belleza» es algo completamente relativo, pudiendo hallarse en los objetos más mundanos y en los actos mas desinteresados. 

18. Being John Malkovich (1999) - Spike Jonze

Craig Schwartz (John Cusack) es un titiritero depresivo que comienza a trabajar en el deshumanizante piso 7 ½ de un edificio de oficinas, allí encuentra una pequeña puerta que lo envía a la mente del actor John Malkovich, pudiendo ver el mundo a través de sus ojos por un corto periodo. Craig comienza a ganar control sobre las acciones de Malkovich y se vuelve adicto a vivir en su cabeza, pasando cada vez más tiempo en ella.

Escrita por el brillante Charlie Kaufman, quien inicialmente envió su guion a Francis Ford Coppola, pero este a su vez se lo cedió a Spike Jonze quien en ese entonces estaba casado con la hija de Coppola, Sofía. Más allá de los gustos personales, no se puede negar que la idea de esta película logra ser extraña pero lógica a la vez, lo que lo vuelve un film de culto instantáneo.

19. Billy Elliot (2000) - Stephen Daldry 

Billy Elliot (Jamie Bell) es un niño de 11 años que es enviado por su padre a aprender boxeo, pero el joven descubre que siente pasión por el ballet. Viendo potencial en Billy, su maestra Sandra Wilkinson (Julie Walters) lo insta a presentarse a una audición que le permitiría asistir a la escuela real de Ballet en Londres, lo que inevitablemente choca con las preconcepciones homofóbicas de su padre respecto a los bailarines.

Originalmente titulada Dancer, el guion había nacido para una obra musical que nunca despegó. La película fue la primera producción de bajo presupuesto del estudio Working Title Films, lo que generó un nuevo departamento o estudio paralelo (WT2) dedicado exclusivamente a esta clase de películas.

20. Nueve reinas (2000) - Fabian Bielinsky

Marcos (Ricardo Darín) y Juan (Gastón Pauls) son dos estafadores que se cruzan por casualidad cuando el primero ayuda al segundo. Mientras recorren las calles de Buenos Aires, ambos deciden asociarse por el día y, casualmente, terminan usurpándole el plan a Sandler (Oscar Nuñez), un falsificador que pensaba venderle unas estampillas falsas a un magnate español por una astronómica suma de dinero.

Bielinsky ya tenía experiencia en el rubro cinematográfico ya que trabajaba como asistente de director desde hacía casi 20 años. Su guion salió ganador del concurso Nuevos Talentos, lo que le valió el capital necesario para producir su primer largometraje. Junto con El Aura (2005), son las dos únicas películas de Bielinsky, quien trágicamente falleció en el 2006 de un ataque cardiaco.

21. Donnie Darko (2001) - Richard Kelly

Donnie Darko (Jake Gyllenhaal) es un adolescente taciturno y sonámbulo que una noche despierta y se cruza con Frank, un siniestro conejo que le da la fecha y hora en que el mundo llegara a su fin. Al haber salido de su cama dormido, Donnie sobrevive al impacto del motor de un avión que se estrelló en su habitación. Donnie comienza a investigar sobre viajes temporales y se obsesiona con las implicaciones del próximo fin del mundo.

La película tuvo un tiempo de rodaje de 28 días, lo que casualmente coincide con lo planteado por el argumento del film. Aunque inicialmente no tuvo mucho éxito –estrenándose casi directamente en video– las posteriores versiones con el corte del director la volvieron una película de culto.

22. Love Actually (2003) - Richard Curtis

Ambientada en Londres a cinco semanas de la navidad, la película se enfoca en 10 arcos argumentales aparentemente sin vinculación y con personajes propios. Cada pequeña historia puede tener más o menos dosis de drama y/o comedia, pero todas giran en torno a las diferentes clases de amor que la gente se profesa; y de cómo la época festiva afecta emocionalmente a todos.

La película es considerada una de las mejores comedias románticas de la historia (al menos en Inglaterra), su estructura compleja pero con historias simples y personajes con los que el público se puede identificar, exponen un brillante trabajo por parte de Richard Curtis, quien no solo dirigió sino que también escribió el guion original.

23. Dawn Of The Dead (2004) - Zack Snyder

Anna (Sarah Polley) es una enfermera que atestigua los primeros momentos de un apocalipsis zombie y se refugia junto a otros en un centro comercial cerrado. Con el progresivo paso del tiempo y el aumento exponencial de muertos vivientes, Anna y el resto de los supervivientes deben decidir qué acción tomar para salir vivos del centro comercial y buscar un nuevo refugio.

Esta película es uno de los pocos casos en que un remake logra superar en calidad a una película original, ya que está basada en un film de George Romero de 1978. Snyder quería un ritmo más fluido y vertiginoso para su película, por ello cambio el hecho de que los zombis se pueden mover a gran velocidad, a diferencia del paso cansino de los zombis de Romero; y su estado es algo similar a una enfermedad.

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